17th Century Italian Art

Title: book flyer, Redefining Eclecticism in Early Modern Bolognese Painting: Ideology, Practice, and Criticism
Author: Daniel M. Unger
Publisher: Amsterdam University Press
Series: Visual & Material Culture, 1300-1700

This study focuses on the unique nature of early modern Bolognese painting that found its expression in stylistic diversity. The flourishing of different stylistic approaches in the Mannerist paintings of the previous generation evolved, at the turn the seventeenth century, in the work of the Bolognese painters into an approach best described as eclecticism, characterized by the combination of two or more styles in a single work of art. Eclectism was a major innovation and major contribution to the history of art. But it then also became a critical term that suffered much negative press. The book therefore also traces the role of ecclecticism as a concept in the evolution of criticism and scholarship about the Bolognese school of painting over 250 years, showing how the dramatically vacillating attitudes towards this concept shaped the historical view of the Bolognese painters, ultimately having a tremendous dampening impact on our understanding of seventeenth-century art.

For long time, the so called Nativity with Saints Lawrence and Francis by Caravaggio, once in the oratory of St Lawrence in Palermo, was generally considered as executed in 1609 during the artist’s Sicilian stay. Recent acquisitions make us believe that, actually, this artwork was executed in Rome, in 1600, and then transferred from here to Sicily. If some important documentary findings were often ignored or not properly read, art historical essays focused less on complementary technical aspects, and opposite. A traditional dating still seemed to be the most credible hypothesis: the present essay aims at making a tabula rasa of all the previous ideas and at clarifying this matter with some logical order, without forgetting any element, rather adding new information. On this occasion, a copy of the painting is introduced, known only by a photograph, in addition to the one already known by Paolo Geraci.

Per lungo tempo la cosiddetta Natività con i santi Lorenzo e Francesco di Caravaggio, già nell’oratorio di S. Lorenzo a Palermo, si è generalmente creduta dipinta nel 1609 durante il soggiorno siciliano. Recenti acquisizioni portano tuttavia ad affermare che in realtà il quadro fu realizzato a Roma, nel 1600, e da lì spedito in Sicilia. Ma se importanti novità documentarie sono state talvolta ignorate o non valutate adeguatamente, contributi storico-artistici meno si sono soffermati su complementari aspetti più propriamente tecnici e viceversa. In assenza di un quadro completo la datazione tradizionale poteva sembrare ancora la più credibile: è certamente il caso di fare tabula rasa e riprendere ordinatamente la questione, senza trascurarne nessun aspetto e anzi cogliendo l’occasione per aggiungervi nuove acquisizioni. In tale occasione, è pubblicata una copia del dipinto, conosciuta solo attraverso una fotografia, in aggiunta a quella già nota di Paolo Geraci.

L'importanza assunta dall'arte di Fioravanti nella pittura di na-tura morta a Roma durante la transizione dal tardo caravaggismo al barocco è testimoniata dalla presenza di suoi quadri nelle raccolte di numerosi e importanti rappresentanti dell'aristocrazia e del clero. Giacché le registrazioni sei-settecentesche di questo genere di di-pinti riportano solitamente i nomi dei migliori pittori tralasciando gli autori di quadri destinati al semplice arredamento, siamo indotti a pensare che la presenza di sue opere in collezioni storiche impor-tanti qualifichi l'artista al rango di maestro di valore. Le descrizioni dei quadri di Fioravanti contenute negli antichi in-ventari denotano una notevole varietà tematica: come altri pittori contemporanei si dedicò alla raffigurazione di nature morte tradi-zionali con vasi di fiori, fruttiere, animali vivi e morti ma l'impor-tanza del suo apporto artistico consiste nell'esser stato l'iniziatore di una corrente pittorica caratterizzata da composizioni eleganti con tappeti, strumenti musicali e scientifici, armature, cuscini, argente-rie e altro, nei quali inserì talvolta anche figure in parte realizzate in proprio, in parte frutto di collaborazioni con specialisti come An-drea Camassei (Bevagna 1602-Roma 1649) e, forse, Pier Francesco Mola (Coldrerio 1612-Roma 1666) 1 .

Numerosi inventari d'importanti famiglie dell'aristocrazia italia-na ed europea riportano che un artista romano chiamato Fioravanti dipinse raffinate nature morte con cuscini, strumenti musicali e og-getti di oreficeria posti su tavoli ricoperti da tessuti preziosi quali damaschi, broccati e velluti ricamati in oro. La contemporanea presenza a Roma negli anni quaranta del XVII secolo del maltese Francesco Noletti (Valletta? 1611 ca.-Roma 1654) e la generica comunanza tematica delle loro produzioni portò, in mancanza di notizie biografiche riguardanti entrambi i pittori, al secolare malinteso di fondere i due artisti in un'unica personalità proveniente da Malta: il fantomatico Fieravino. Gli studiosi credettero a lungo alla passata esistenza di un pittore con questo nome attivo a Roma nel XVII secolo a causa dell'errata interpretazione di un commento di André Félibien che, nella secon-da metà del Seicento, riferiva in realtà di due artisti celebri per le loro composizioni con tappeti: "Fioravente et le Maltois se sont mis en estime pour les tapis et les instruments de musique, les vases et les autres choses de cette nature qu'ils representoient dans une grande perfection" 1. L'errore nacque nella seconda metà del Settecento quando sul mercato antiquario parigino cominciarono ad apparire dipinti ca-talogati con il nome "Fieravins", errata trascrizione del termine Fioravente ricordato un secolo prima dal Félibien, associato alla provenienza maltese: in un inventario della collezione del princi-1 A. FÉLIBIEN, Entretiens sur les vies et sur les ouvrages des plus excellents pein-tres anciens et modernes, Paris 1668, II, p. 457.

This article examines a hitherto unknown episode of the European fame of Guido Reni, presenting new evidence concerning the fate of one of his most impressive and renown late works, the Bacchus and Ariadne. Commissioned in 1639 by the powerful Cardinal Francesco Barberini (1597–1679), the painting was intended as a diplomatic gift to the Queen of England, Henrietta Maria (1609–1669), wife of Charles I. Yet, after its completion in 1640, the large canvas was shipped not to London, but to Rome, where it would remain with Cardinal Barberini for the following six years. New evidence from the Diaries of the bohemian Cardinal Adalbert von Harrach (1598–1667) reveals that cardinal Barberini changed his mind about the painting’s destination, proposing instead that the work be given as a diplomatic gift to Walter Leslie (1606–1667), a Scottish diplomat in the service of the emperor Ferdinand III who visited Rome in spring 1645. This episode sheds new light on Cardinal Barberini’s political acuity, calling attention to his pragmatism in international relations and adaptability in using paintings as instruments of persuasion and influence in foreign affairs. Finally, the article discusses also the material legacy of the large canvas that, according to contemporary sources, was literally cut into pieces by the servants of Madame d’Emery, the wife of France’s finance minister Michel Particelli (1596–1650), who was shocked by the lascivious nudity of Guido’s deities.

The author presents an unpublished painting depicting the personification
of Winter, which derives from the famous prototype created in 1563 by Giuseppe Arcimboldi (1526-1593). The work, which appeared on the Italian antique market in the 1960s, is preserved in a private collection in Trentino.

La trasposizione in altri generi letterari e nelle arti  gurative lascia trasparire la poliedrica identità del personaggio-Chisciotte e al tempo stesso la sua disponi- bilità ad assumere caratteri sempre nuovi e inediti. Elementi tassiani e antichissimi topoi pittorici si aggiungono così a più attesi riferimenti ariosteschi, nel passaggio dalle ribalte settecentesche a quelle di Broadway, ad esempio, o dalle xilogra e di Tony Johannot alle incisioni di Pinelli, che suggeriscono anche un possibile dialo- go per immagini con il capolavoro manzoniano.

Il quaderno n. 10 della Fondazione è dedicato alla cosiddetta Prova del veleno, che costituisce senz’altro uno dei capolavori del pittore Antonio Carneo (1637-1292), originario di Concordia Sagittaria, ma attivo per buona parte della sua vita a Udine.
La pubblicazione, che riunisce gli atti della giornata di studio organizzata nell’ottobre del 2016 in collaborazione con il Dipartimento di studi umanistici e del patrimonio culturale dell’Università di Udine, sarà presentata da Vania Gransinigh, coordinatrice responsabile dei Civici Musei di Udine, e da Monica Centanni, direttore del Centro studi classicA/Iuav e della rivista “Engramma”.

La cosiddetta “Prova del veleno”, eseguita presumibilmente nel corso dell’ottavo decennio del Seicento, è considerata a ragione uno dei capolavori del pittore Antonio Carneo.

Raffigurante un giovane che si comprime le viscere alla presenza di un gruppo di astanti che seguono con apprensione i suoi spasmi o cercano di soccorrerlo, essa è descritta ab antiquo con il titolo con cui è ricordata ancora oggi. Tuttavia, poiché difficilmente si tratta della rappresentazione di una generica scena di avvelenamento (provocato o autoindotto), viene da domandarsi se nell’episodio in questione l’artista non abbia voluto illustrare un personaggio ben preciso. Tra le proposte avanzate dagli studiosi, quella del giovane Mitridate che si sottopone alla prova del veleno allo scopo di immunizzarsi resta una delle più plausibili.

Oltre ad aver ispirato l’omonima tragedia di Racine (1673), i cui echi giunsero ben presto in Italia attraverso varie traduzioni e rappresentazioni teatrali, la figura del “re Veleno”, ossia dello stesso Mitridate – passato alla storia non solo per le guerre contro i Romani, ma anche per studi gli studi sulle sostanze venefiche e i relativi antidoti –, incontrò grande fortuna a livello musicale, come attestano le opere di Alessandro Scarlatti (1707) e di Wolfgang Amadeus Mozart (1770).

Eseguito su commissione della nobile famiglia Valentinis, che nel 1627 si era assicurata il possesso del castello di Tricesimo, il dipinto rimase in loco sino alla fine degli anni Cinquanta del Novecento, allorché fu immesso nel mercato antiquario. Acquistato da Italo Furlan nel 1968, attualmente appartiene alla Fondazione Ado Furlan, cui egli ha devoluto i propri beni.

S.Guido, E. Settimi, Sette statue in bronzo dorato di Ciro Ferri 1688-1689 (San Francesco Saverio, San Filippo Neri, Sant’Isidoro Agricola, San Francesco d’Assisi, San Francesco di Sales, San Francesco di Paola, San Francesco Borgia) catalogo RESTITUZIONI 2018,(  Reggia di Venaria, Torino, 28 marzo - 16 settembre 2018), pp.596-606.

Parmi les élèves de Rubens, la littérature signale traditionnellement un peintre actif en Espagne dans la première moitié du XVII e siècle nommé Miguel Manrique. Figure aux contours flous, ce peintre flamand est généralement présenté comme l'introducteur du rubénisme en Andalousie.